不是“比賽意義上的完美”，而是“放在任何一場音樂會里都毫不違和的完美”。
這位年僅十七歲的音樂家——
是的，我必須用“音樂家”這個詞，而非“選手”來形容。
他在本場的曲目編排如下：
帕格尼尼《24首隨想曲》第5號。
帕格尼尼《24首隨想曲》第21號。
巴赫的《恰空舞曲》。
以及最後的舒伯特《A大調二重奏》D.574第一樂章。
單從紙面上看，第五號隨想曲和《恰空》單拎出來，都是絕對的超高難度。
但顧安的安排並非魯莽的炫技堆砌。
他清楚地知道，自己的左手在第5號這首曲子中會經歷什麼，於是將21號插在中間，為他之後的完美髮揮保留了充足的精力。
如何合理分配體力、如何編排曲目單。
這是每一位真正的音樂家都必須具備的能力。
相較之下，有些選手一股腦地堆砌高難度曲目，最終卻導致自己體力不支，音準偏移。
我們一直在討論一個課題：
“對帕格尼尼來說，技術性與音樂性，到底哪一個才是最優先的。”
在顧安的演奏中，我想他交出了一份令在場所有人都滿意的答案。
接下來，讓我們走進每一首曲子本身。
關於第5號隨想曲，所有人都知道的極速跳弓、連續雙音和大幅度把位跳躍，對每位演奏者來說，都堪稱一次酷刑。
以往的音樂家們不約而同地將這份痛苦儘可能地隱藏起來。
顧安卻反其道而行，藉著那些瘋狂的音階，將內心深處某種痛苦與掙扎毫不掩飾地推到了臺前。
非常大膽的選擇，卻毫不突兀。
而在第21號隨想曲中，他則充分展現了自身對音色的極致掌控。
以及溫暖、積極情緒的感染力。
真正讓我戰慄的，是他的《恰空》。
我由衷地希望每一個看到這篇帖子的人，都有機會去聽一次他的《恰空》。
我們永遠無從得知，這位年輕的音樂家身上發生了什麼，竟然能將《恰空》拉得如此具有哲思。
是的，哲思。
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