龍馬翻身下床，摸黑走到客廳的鋼琴前面坐下。
他沒有開燈，藉著從窗戶透進來的一點點月光，把雙手放上琴鍵，憑著記憶裡的感覺開始彈。
第一個音符響起來的時候，他渾身的雞皮疙瘩都起來了。
這不是因為這首曲子本身很棒所導致的，而是因為這首曲子的氣質和這個深夜、這間安靜的房間、以及窗外西月的月光，產生了某種奇妙的共振。
他放慢了一半的速度去彈，原本的旋律結構在這樣的慢速處理下呈現出一種截然不同的質感，那些音符之間的空隙被拉長，每個和絃的轉變都帶著一種小心翼翼的溫柔，好像生怕用力過猛就會碰碎什麼易碎的東西。
彈完之後，龍馬在黑暗中坐了很久，然後起身去拿了一支筆和一張紙。
他要做的事情不是簡單的翻唱。
如果只是把這首歌的日文歌詞填進去，那充其量就是一個合格的翻譯版本。
但這部劇值得更好的東西。
山田導演給了他完全的創作自由，船山基樹看了他的改編能力之後甚至首接把音樂監督的位置交給了他。
如果在這種情況下，他只是老老實實地做一首翻譯歌出來，那是對這些信任的辜負。
他要的是重新編曲，甚至某種程度上，重新定義這首歌的氣質。
原曲的編曲風格是典型的八十年代末J-pop大編制，電吉他、合成器、華麗的絃樂組，整體聽感昂揚而壯闊，像是在萬人體育場裡揮著手告別。
這種處理方式當然有它的感染力，但用在月臺告別這種安靜到能聽見風聲的場景裡，就太重了。
龍馬想要的方向，是把那種昂揚的壯闊打碎，重新捏成一種更私密、更細膩的東西。
他取消了合成器和電吉他的主導地位，把旋律的主體交給了鋼琴和木吉他。
鋼琴負責鋪陳底色，木吉他負責點綴那些細膩的情緒轉折。
絃樂組他也做了改動，不要大編制，只要一把小提琴和一把大提琴，小提琴在高音區追著主旋律跑，大提琴在低音區偶爾回應一句，像是兩個人隔著一道很遠的距離在對話。
但真正讓他在意的是節奏組。
原曲的鼓點是標準的流行曲節奏型，穩而有力。
龍馬想了很久，最後決定用一種很大膽的嘗試，他把鼓組全部拿掉，用古典吉他的輪指來代替節奏的推進。
古典吉他的輪指音色介於打擊樂和旋律樂器之間，既有一種細碎的、像心跳一樣的律動感，又能保持整體編曲的柔軟質地。
這個想法出來的瞬間，龍馬自己都倒吸了一口氣。
他上輩子聽過無數編曲，古典吉他輪指替代鼓組的做法不是沒有，但大多用在弗拉門戈或者純器樂作品裡，放到一首流行歌的編曲裡，至少在這個年代的日本，大概是沒有人這麼幹過的。
但首覺告訴他，這個方向是對的。
輪指的細碎感剛好對應了月臺分別時心裡那種說不出口的千言萬語，明明有那麼多話想說，最後說出口的卻只有一句“保重”。
那些沒說出來的話，就用輪指的碎音來代替。
他花了整整一週的時間把編曲的框架搭好。
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